Un genial artífice: Orson Welles II

Orson Welles

Parte II

Por: Patricia Díaz Terés

“Lo que más vale en el hombre es su capacidad de insatisfacción”.

José Ortega y Gasset

Ambicioso, brillante, activo y con una insaciable necesidad de crear, así era el joven Orson Welles cuando en la década de los 30 comenzó a dejar sus huellas en la historia de las artes. Había para entonces formado ya el Mercury Theatre of the Air, en alianza con la CBS Radio, cuando en su programa transmitido el 31 de octubre de 1938 realizó la más escalofriante adaptación de la novela de ciencia ficción La guerra de los mundos de H.G. Wells, que se haya escuchado jamás.

La imaginación de Welles – junto con Howard Koch y John Houseman- lo llevó a elaborar una dramatización a manera de noticiario en la cual un aterrorizado locutor narraba paso a paso la llegada de naves espaciales que transportaban alienígenas cuya intención era acabar con la humanidad y tomar posesión del planeta Tierra. Por supuesto que Orson incluyó la presentación de su programa, pero muchos de sus oyentes se perdieron ese vital segmento que les refería el contenido como ficción, por lo que un gran número de personas se lanzó a las calles gritando que el fin del mundo había arribado.

Este curioso hecho le ganó la estima de los empresarios, ya que a pesar de que se consideraba anteriormente que el programa tenía una audiencia escasa, la conmoción causada por aquella transmisión de la Noche de Brujas fue contundente, de manera que Campbell’s Soup se convirtió en patrocinador de Welles surgiendo Campbell’s Playhouse cuya esencia era la misma que la del Mercury pero con un presupuesto mucho más holgado que permitió al director invitar a las más grandes estrellas del momento para compartir sus micrófonos, apareciendo entonces en las transmisiones íconos como Katherine Hepburn o Sir Laurence Olivier.

Al año siguiente el panorama mundial se transformó al estallar la Segunda Guerra Mundial. Con un notable sentido patriótico Orson trató de enrolarse en el ejército, siendo rechazado a causa de su pie plano; no obstante, nuestro tenaz genio decidió que era el momento para dedicar un tiempo a una pasión largamente reprimida: la magia, de manera que realizó una gira con la European Theater of Operation montando un acto en el que lograba partir por la mitad a la legendaria Marlene Dietrich.

Pero la radio y el teatro no le proporcionaban al genio todas las herramientas que su imaginación requería para manifestarse, de manera que decidió probar suerte en el séptimo arte, cuyas herramientas le vinieron como “anillo al dedo”. Así, en 1941 dirigió y protagonizó su primer filme, Citizen Kane con RKO Pictures, resultando en un rotundo fracaso en taquilla –el estudio perdió 150 mil dólares en la aventura- pero con tal éxito con la crítica que le valió después el título de la mejor película jamás filmada, según los expertos.

Experimentando de manera magistral con perspectivas innovadoras, claroscuros y otros elementos cinematográficos Welles captó la atención de sus colegas realizadores; sin embargo también provocó la ira del magnate William Randolph Hearst, quien vio su persona reflejada en el personaje de Charles Foster Kane, tratando entonces el millonario de frenar al director –llegó a ofrecer un millón de dólares para que se quemasen los negativos- sin lograr amedrentarlo ni siquiera con amenazas legales.

Continuando la exploración de diversos caminos para dar rienda suelta a sus propuestas, realizó un viaje por México y Brasil en 1942 por expreso encargo del entonces presidente Franklin D. Roosevelt para que elaborar un filme que pusiera en evidencia la “política de buena vecindad” que Estados Unidos estaba estructurando con aquellas naciones –en este mismo proyecto participó después Walt Disney produciendo Saludos amigos (1942) y Los tres caballeros (1944)-. Esta travesía no resultó como había planeado el mandatario norteamericano ya que el documental It’s all true quedó inconcluso, hecho que los detractores del cineasta aprovecharon para acusarlo de haber malgastado el tiempo y el presupuesto en fiestas y chicas, en la cautivadora ciudad de Río de Janeiro.

Ahora bien, los trabajos inconclusos no son precisamente ajenos a la historia de nuestro protagonista –en 1955 comenzó el rodaje de Don Quixote en México y París, tomando el director también el papel de protagonista haciéndose acompañar por el actor Akim Tamiroff, pero sin llegar a concluir la obra, misma que logró ver la luz gracias al trabajo llevado a cabo décadas después (1992) por Jesús Franco y Patxi Irigoyen, con la finalidad de estrenar el filme en la Exposición Universal de Sevilla ’92-, sin haber tenido esto nada que ver con desidia o ineptitud, sino con un afán de perfección extralimitado que llevaba a Orson a querer controlar –al igual que su colega Alfred Hitchcock– cada uno de los aspectos de los filmes que dirigía, tornándose entonces el proceso sumamente largo y costoso. En este sentido se puede ubicar de igual manera a Welles escribiendo el guión, modificando las luces, guiando a los actores, trabajando codo a codo con los intérpretes en escena o en la sala de edición supervisando cada uno de los cuadros que aparecerían en la gran pantalla.

Ni qué decir se tiene que este proceder le retribuyó con obras maestras que lo han entronizado como uno de los mejores directores cinematográficos de toda la historia, pero que en su momento le llevaron literalmente años en el rodaje como su Othello (1956) que fue filmado entre 1949 y 1952 logrando después la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Y es así como podemos afirmar que las películas con el toque Welles eran oro para la crítica y los festivales pero repelentes en taquilla. Aun cuando películas como A Touch of Evil (1958) obtuvo un premio en la Feria Mundial de Bruselas en 1958 sus ingresos fueron deplorables, mismo caso de otras producciones como The Magnificent Ambersons (1942) o Chimes at Midnight (1965).

Por otro lado Orson Welles no era una persona precisamente equilibrada ya que toda la constancia y disciplina que tenía para la elaboración de sus cintas, parecía perderla a la hora de cuidar de su persona –tanto en el sentido físico como emocional-. Así, tras haberse divorciado de Virginia Nicholson, en 1943 contrajo matrimonio con la despampanante Rita Hayworth a quien había conocido durante la filmación de The Lady from Shanghai (1947) –con quien procreó a su hija Rebecca– separándose cinco años después, para volver a contraer nupcias en sus andares por Europa –tras haber sufrido la persecución del Comité de Actividades Antiamericanas, decidió viajar a lo largo y ancho del mundo filmando en donde y como se lo permitiesen- con la actriz italiana Paola Mori con quien tuvo a su hija Beatrice.

Habiendo luchado toda su vida por conseguir el dinero que eventualmente le permitiese realizar sus sueños, Orson Welles se ha erigido como una figura controvertida, misteriosa y a la vez magnífica ya que resultó casi una broma del destino cómo aquel a quien un osado crítico del periódico The New York Herald Tribune llamado Walter Kerr tildó de bufón –después de que Welles actuase en silla de ruedas durante una presentación de King Lear debido a un tobillo fracturado-, recibió en 1971 un Óscar por los logros de una vida, siendo reconocido después tanto por la American Film Institute como por la Directors Guild of America –otorgándole esta última su máxima presea, el premio D.W. Griffith-.

Pero a pesar de todos sus logros un ser humano debe responder finalmente a su naturaleza, por lo que siendo Orson un hombre grande –medía 1.90 m- y grueso que tendía a excederse en el trabajo y despreciar el cuidado de su alimentación, el día 10 de octubre de 1985 mientras trabajaba en un guión que filmaría más tarde, sufrió un infarto que lo mató al instante, concluyendo así una vida que sigue marcado aún hoy la existencia de miles de cineastas alrededor del orbe, descansando pacíficamente las cenizas de sus restos mortales en una hacienda en la provincia de Málaga (España).

 

FUENTES:

“Orson Welles is Dead at 70, Innovator of Film and Stage”. Obituario www.nytimes.com. Octubre, 1985.

 “El genio de la lámpara”. Aut. José María Aresté. www.decine21.com Octubre, 2002.

“Condenados a la eternidad: George Orson Welles”. Aut. Gustavo Rubén Giorgi. Revista Letralia No. 231. Mayo, 2010.

“Orson Welles: El ilusionista”. Aut. Federico Lisica. www.almamagazine.com. Febrero, 2011.

“Cuestiones teóricas sobre el cine de Orson Welles”. Aut. Pedro García Cueto. www.cinecritic.biz Septiembre, 2011.

“Orson Welles”.  Aut. Enrique Martínez-Salanova Sánchez. www.uhu.es

www.thebiographychannel.co.uk

http://www.mercurytheatre.info/history

Walt Disney: ¿Héroe o villano?

Walt Disney

Por: Patricia Díaz Terés

“No es oro todo lo que reluce, ni todo lo que anda errante está perdido”.

J. R. R. Tolkien

 Imagen de la tenacidad y el éxito para algunos o viva encarnación del mal para otros, la figura de Walt Disney es tan controversial que en general no admite opiniones imparciales.

Desde hace ya más de medio siglo, el nombre “Disney” ha sido compañero de la niñez de muchas generaciones, creando algunos de los momentos tan hermosos como tristes que vivimos acompañando a simpáticos personajes animados.

Así, hemos visto a Mowgli experimentar las más increíbles aventuras en las selvas de la India o al Hada Madrina de Cenicienta apareciendo con su varita mágica un hermoso vestido y una magnífica carroza para que la doncella pudiera ir al baile del palacio; incluso volamos con Wendy y Peter Pan al fantástico País de Nunca Jamás.

Pero también sufrimos cuando al escuchar un disparo aterrador, tuvimos la certeza de que la vida de un pequeño cervatillo de nombre Bambi nunca volvería a ser igual o acompañamos al pequeño Dumbo mientras era arrullado por su “mamá elefanta” encerrada tras las rejas por un tiránico cirquero.

Tan contrastantes como sus animaciones resultan las versiones sobre la vida de Walter Elias Disney, un hombre que habiendo nacido en la ciudad de Chicago en 1905, desde muy joven mostró gran afición y talento para el dibujo, la fotografía y la ilustración.

De este modo, un Walt Disney adolescente se vio obligado por la situación económica familiar a desempeñar los más diversos oficios; sin embargo, este creativo jovencito logró con gran esfuerzo combinar las actividades redituables como la venta de periódicos, con su asistencia matutina a la secundaria McKinley y por las noches a la Academy of Fine Arts.

Así, poco a poco el hijo de Elías Disney y Flora Call fue madurando y descubriendo el lado oscuro del ser humano ya que a sus escasos 16 años, después de ser rechazado en el ejército para luchar en la Primera Guerra Mundial, decidió aventurarse para conducir en Europa una ambulancia de la Cruz Roja contemplando así los horrores del conflicto.

Al regresar a su país natal, entró a trabajar en un estudio de arte en la ciudad de Kansas, en donde conoció a su compañero, amigo, socio y colaborador de muchos años, Ub Iwerks. Poco después los dos dibujantes comenzaron a vender animaciones a los teatros a través de su compañía Laugh-O-Grams, la cual por cierto terminó en la bancarrota.

Pero Walt no era un hombre que aceptara la derrota con los brazos cruzados, embarcándose en un nuevo proyecto que en 1923 lo encaminó hacia Hollywood, donde en sociedad con Iwerk y su hermano Roy, produjo la serie animada “Alice in Cartoonland”.

Dos años después decidió contraer matrimonio con su colaboradora, Lillian Marie Bounds y para 1927 creó su primer personaje animado –Oswald Rabbit- del cual perdió los derechos, para ser recuperados por su multimillonaria empresa hace apenas unos años. Pero este nuevo tropiezo tampoco logró mermar el empeño del artista, de manera que en 1928 creó al que se convertiría en un ícono de la cultura norteamericana: Mickey Mouse, el cual a su vez brincó a la fama con el cortometraje sonoro “Steamboat Willie”.

Así despegó la carrera de uno de los hombres más importantes del siglo XX en el ámbito artístico, conquistando su primer Óscar en 1932 con el cortometraje “Flowers and Trees” de la serie “Silly Simphonies”. Pero el salto definitivo al éxito lo dio cuando estrenó su primer largometraje en 1937, “Blancanieves y los Siete Enanos”, cinta que le valió otra estatuilla dorada acompañada por siete figurillas pequeñas representando a los enanos.

Observando el triunfo de su nueva producción, Disney decidió continuar con la producción de películas animadas como “Pinocho” (1939) o “Bambi” (1950); pero entre estas dos realizaciones se encuentra la que tal vez pueda ser calificada como la cinta más polémica del creativo estadounidense: “Fantasía” (1940).

Esta producción se alejó en gran medida de los simpáticos personajes como Pepe Grillo que Walt había creado anteriormente, así “Fantasía” consta de una serie de representaciones gráficas -algunas de ellas verdaderas obras de arte- acompañadas por la música creada por grandes compositores como Bach, Stravinsky, Tchaikovsky y Beethoven, siendo la parte más discutida el episodio “Una Noche en la Àrida Montaña”, singular ilustración del Ave María de Schubert, en la cual observamos a un terrorífico demonio –Chernobog– que invoca a un sinfín de espíritus malignos que le rinden pleitesía.

De hecho este segmento animado, así como la bruja Maléfica en la “Bella Durmiente” (1959) o la figura del hada Campanita de Peter Pan (1953), propiciaron que alrededor de Walt Disney se concibieran gran cantidad de rumores como una supuesta afición por las artes oscuras o una retorcida concepción de las mujeres. También se le acusa en algunos textos -como el escrito por Perrucci Ferraiuola– de ser un explotador cruel e injusto de sus trabajadores y, más allá, ha llegado incluso a ser señalado por el plagio del personaje Mickey Mouse, mismo que según esta versión fue en realidad imaginado por Iwerk.

Pero todo lo anterior son solamente hipótesis; por otro lado, los hechos nos indican que Disney -dejando de lado un juicio sobre su calidad moral o creencias místicas- fue un visionario que se preocupó por el avance no sólo de su carrera, sino de la raza humana en general, teniendo una importante participación en la difusión de la investigación espacial, echando incluso mano de renombrados científicos como Von Braun, Stuhlinger y E.C. Slipher, para realizar  los documentales “Man in Space”, “Man on the Moon” y “Beyond Mars” (1950-1957).

También de Walt Disney puede decirse que fue un patriota que ayudó a los Estados Unidos a mantener la moral tanto del pueblo como de las tropas a través de sus caricaturas durante la Segunda Guerra Mundial, de manera que entre 1942 y 1945 elaboró gran cantidad de entretenidos cortometrajes e interesantes documentales que sirvieron como instrucción o propaganda. En uno de ellos podemos incluso observar cómo el Pato Donald tiene un sueño en el cual vive bajo el yugo de los nazis en Alemania, despertando en la libertad americana.

Sin importar si son o no ciertos todos los rumores y mitos que han surgido alrededor de Walt Disney, una realidad es que se trató de un talentoso artista, un brillante hombre de negocios y un franco promotor de la difusión y el desarrollo científicos. Teniendo tan extremas posiciones sobre esta figura del siglo pasado, para llegar a una conclusión, podríamos reflexionar sobre una frase del filósofo griego Aristóteles que dice: “No se puede ser y no ser algo al mismo tiempo y bajo el mismo aspecto”.

Para conocer Fantasía (1940):

Noche en la Árida Montaña: http://www.youtube.com/watch?v=6gd2YKyEImY

Dance of the Hours 2: http://www.youtube.com/watch?v=3u95n2yKcow

 

FUENTES:

“El lado oscuro de Disney”. Aut. Perucci Ferraiuola. Panorama Editorial. México, 2000.

“Centenario de Disney: El indiscutible genio de la animación”. Aut. César Aguilera. Cinemanía No. 63. Diciembre, 2001..

“The Disney-Von Braun Collaboration and its influence on space exploration”. Aut. Mike Wright. Selected Papers from the 1993 Southern Humanities Conference. Southern Humanities Press. Huntsville 1993.

http://www.disney.go.com   

No importa si es Víctor Hugo o Walt Disney

Wicked, el musical

Por: Patricia Díaz Terés

“El que tiene imaginación, con qué facilidad saca de la nada un mundo”.

Gustavo Adolfo Bécquer

La gitana Esmeralda, la inteligente Bella, el hada Elphaba, el trágico Cuasimodo, el misterioso Fantasma, el estricto Javert o el ogro Shrek, prácticamente cualquier personaje que se haya creado para la literatura, el teatro, el cine o la televisión puede en algún momento transformarse en el protagonista de una obra musical, aún cuando los autores de los originales nunca se hubieran imaginado a sus creaciones cantando y bailando.

La versatilidad de esta expresión artística, el teatro musical, radica en que la multitud de recursos que tienen a su disposición los guionistas, productores y directores, les permiten ir más allá de los convencionalismos, para llevar a su público en una travesía en la que pueden visitar los más recónditos lugares de la imaginación.

Sin embargo, el montaje de un musical dista mucho de ser sencillo, cuanto más si se desea que éste se transforme en un éxito. A pesar de esto, ni una cuantiosa inversión ni la aparición en escena de estrellas de moda y ni tan siquiera una música realizada por un compositor reconocido, han podido garantizar la trascendencia de estas puestas en escena.

A pesar de esto, los esfuerzos por lograr producciones de calidad siguen apostando en primer lugar por libretos atractivos, ya sean ideas originales o adaptaciones. De esta manera, entre los guiones podemos encontrar a clásicos de la literatura como Víctor Hugo, cuyas obras “Los Miserables” (1985) y “El Jorobado de Notre Dame” (1998) se han llevado a los escenarios con gran éxito; o también al complejo T.S. Elliot, cuyos poemas contenidos en “Old Possum’s Book Of Practical Cats” se transformó en el éxito sin precedentes conocido como “Cats” (1981), producción que se ha montado en diez idiomas diferentes contando con 7485 presentaciones en Broadway y 2000 en Londres, sin tener en cuenta sus giras internacionales.

Incluso textos de renombrados filósofos como el ideólogo de la Revolución Francesa, Voltaire –“Candide”(1956)- han sido transformados en obras musicales; ni siquiera inmortales literatos como William Shakespeare o Miguel de Cervantes, han quedado exentos de estas adaptaciones, en muchas ocasiones con gran aceptación por parte del público, como ha sido el caso de “Hombre de la Mancha” (1965), musical de El Quijote.

Por otro lado, durante el siglo XX las nuevas tecnologías abrieron nuevas puertas, de modo que se comenzó a establecer una estrecha y curiosa relación entre el séptimo arte y los escenarios de Broadway, tomando ideas el uno del otro de forma indistinta. Así por ejemplo podemos mencionar algunas obras musicales que tuvieron como punto de partida una película: “El Color Púrpura” (2005), “Fama” (1988), “Hairspray”, “Legalmente Rubia” (2007) o “Billy Elliot” (2008), entre otras.

Asimismo existen numerosos filmes musicales basados en obras de teatro como por ejemplo: “Cabaret” (1972), “Soñadoras” (2006), “Vaselina” (1978), “Sweeney Todd” (2007) o “El Fantasma de la Òpera” (2004), habiendo sido muchas de ellas reconocidas con el máximo galardón del séptimo arte – los Óscares- en distintas categorías, así tenemos a la cinta “Chicago” (2002) que habiendo sido dirigida por Rob Marshall y protagonizada por Renee Zellweger y Catherine Zeta Jones, se hizo acreedora a la estatuilla por Mejor Película.

El otras ocasiones, los musicales aprovechan para explorar temas que no resultan fáciles de tratar en otras expresiones artísticas, temas como la drogadicción o la homosexualidad son abordados en obras como “Rent” (1996), “Los Productores” (2001) o “La Jaula de las Locas” (1983), entre otras.

Pero también las historias infantiles dentro de las obras musicales, han logrado colocarse en la preferencia del público; este triunfo ha dependido en gran medida de la creatividad con la cual los encargados de la dirección de arte, coreografía y música han logrado montar un espectáculo completo.

Los estudios Disney han conseguido establecer –aunque no en todos los casos- una benéfica relación con Broadway, ya que las ideas originales de sus maravillosos largometrajes animados, han resultado impresionantes puestas en escena, como es el caso de “El Rey León” (2007), que bajo la dirección de Julie Taymor, puede ser ejemplo de calidad en cuanto a vestuario, tramoya y música –esta última compuesta por Sir Elton John-, o la “Bella y la Bestia” (1994); otras historias han enfrentado mayores obstáculos al momento de hacer la adaptación al teatro, como “La Sirenita” (2007), la cual sin ser un espectáculo pobre, los retos de escenografía no han sido sorteados aún de manera satisfactoria.

Pero la relación existente entre el cine, la literatura y el teatro musical no siempre funciona como los productores quisieran. Hay historias que, a pesar de haberse presentado de manera espectacular en la pantalla grande han constituido francas decepciones en los escenarios, como “El Señor de los Anillos” de J.R.R. Tolkien, cuyas adaptaciones cinematográficas dirigidas por Peter Jackson lograron ingresos millonarios en taquilla y numerosos óscares. Sin embargo, la complejidad misma de los textos, no permitió a los libretistas Matthew Warchus y Shaun McKenna llevar con éxito a los escenarios tan extraordinaria historia en el año 2006, teniendo considerables pérdidas económicas. 

A lo largo de la historia del teatro musical han existido también mentes creativas que han realizado guiones originales convirtiéndose en obras musicales que hoy en día se consideran una tradición en el medio. Uno de los casos más destacados es el del director  y productor Andrew Lloyd Webber, quien actualmente es dueño de Really Useful Group, una compañía que ha montado éxitos mundiales como “Cats”, “El Fantasma de la Ópera” o “Evita”, todas ellas escritas y dirigidas por el imaginativo empresario.

Llegando al día de hoy, encontramos que en las marquesinas de Broadway hay una obra que semana con semana se ha levantado como vencedora indiscutible en las taquillas, se trata de la peculiar “Wicked” (2003), dirigida por Joe Mantello, escrita por Winnie Holzman, con música y letras de Stephen Schwartz; en ella se aborda la historia de las brujas del cuento infantil El Mago de Oz, narrando principalmente como la verde Elphaba se convierte en la temible Bruja del Oeste, después de haber atravesado por una adolescencia durante la cual es objeto de rechazo por tener la piel de color verde.

De esta manera, hemos podido observar cómo el teatro musical echa mano de cualquier tipo de argumento, ya sea un acontecimiento histórico, una biografía, una situación social, una joya literaria o un cuento infantil, para convertirlo en un espectáculo que transporta a niños y adultos a universos salidos de la imaginación de extraordinarios artistas, los cuales se atreven a ver las historias desde otro punto de vista, logrando que el público a la vez reflexione, se divierta y considere nuevas alternativas.    

Para acercarse al fantástico mundo de los musicales vea:

Notre Dame de Paris: Les Cloches http://www.youtube.com/watch?v=9G7vU6WmmU8

El Rey León: http://www.youtube.com/watch?v=-XtpRsdF_Bw

Los Miserables, concierto del 10° Aniversario: One Day More http://www.youtube.com/watch?v=odrZ6NtPR2M

Cats: http://www.youtube.com/watch?v=LI1DMZ6J_RM

El Fantasma de la Ópera: http://www.youtube.com/watch?v=MmI9gAyNPyE

Wicked: Defying Gravity http://www.youtube.com/watch?v=MRUeEJQSKbs

Fuentes:

www.playbill.com

www.wickedthemusical.com

www.lotr.com

www.oscar.com

¿Qué tienen en común Enrico Caruso, Bugs Bunny y un Ballenato?

Por: Patricia Díaz Terés

“No basta con oír la música; además hay que verla”.

Igor Stravinski

Alabada o aborrecida por el público, calificada como elitista o vulgar por expertos o neófitos, pero siempre origen de encarnizadas polémicas, así ha sido la ópera desde hace ya más de cuatrocientos años.

El teatro para los griegos cumplía con una función ritual y casi religiosa, por lo que sus divisiones –tragedia y comedia– se utilizaban para rendir culto a deidades diferentes, siendo la primera dirigida al gran Apolo – dios del Sol- caracterizado por su sobriedad y cuya finalidad era permitir al espectador descubrir las virtudes de la moderación en las conductas, mostrando así las vivencias y sentimientos de grandes héroes que se alzaban como ejemplos a seguir.

En el segundo caso, la comedia, la divinidad honrada era el dios de la agricultura y el teatro, Dionisio – Baco para los romanos- y el fin era simplemente el placer por el placer mismo, compartiendo así el propósito con las “bacanales” o fiestas desenfrenadas del dios.

Pero es en el siglo XVI donde se puede situar de modo más certero el surgimiento de este género musical y escénico, con la composición del romano Emilio de Cavaliere (1550-1602)  titulada “Rappresentatione di Anima e di Corpo”, alegoría en la cual personajes como Cuerpo, Alma, Tiempo, Mundo y Razón discuten sobre las prioridades del ser humano.

De esta manera, mientras el clero disfrutaba con las obras de Cavaliere, los príncipes de la época preferían temas paganos o políticos y famosas leyendas; por ejemplo, obras sobre Orfeo – hijo de Apolo y la Musa Calíope– y su romance con la ninfa Eurídice, siendo algunas de las primeras escritas por Jacopo Peri, Giulio Caccini o Claudio Monteverdi.

En este periodo la ópera era exclusiva para conocedores y expertos, teniendo como principal campo de desarrollo las grandes ciudades italianas como Venecia, donde en el año de 1637 se estableció el primer teatro público de ópera.

En contraposición a las clases altas, el vulgo exigía en el espectáculo elementos que les divirtieran y les facilitaran un escape de la dura realidad que experimentaban día con día, creándose así un género mixto, y un tanto amorfo, que combinaba tragedia y comedia.

Para el siglo XVII Francia y Alemania se unieron a los ítalos en el furor por las exhibiciones operísticas, que ya mostraban elaboradas escenografías y vestuarios lujosos en cuya construcción y confección, se encontraban involucrados talentosos artistas.

En el territorio galo fue donde finalmente se logró nuevamente la separación de los dos géneros fundamentales, creándose así las tragédies lyriques por parte del gran compositor Jean Baptiste Lully, haciendo también contribuciones importantes poetas como Apostolo Zeno y Pietro Metastasio; además se establecieron algunas pautas para que las obras representadas resultaran más ligeras destacando la acción y limitando los personajes.

En esta competencia entre la comedia y la tragedia, se llegó al equilibrio con las llamadas opera buffa (Italia) u opéra comique (Francia) que se escenificaba normalmente en las ferias o bien en medio de las óperas serias, con lo cual surgieron los Intermezzi, o intermedios con el objetivo de proporcionar a los espectadores un equilibrio anímico.

Esta lucha entre géneros estaba a la vez delimitada por las clases sociales. Mientras la aristocracia –grupo privilegiado por derecho de sangre- prefería la tragedie lyrique, el pueblo optaba por la opéra comique. Esta pugna tuvo su veredicto temporal con el fin de la monarquía impuesto por la Revolución Francesa (1789); así algunos ideólogos de este movimiento como J.J. Rosseau reclamaban el regreso a los placeres sencillos y la naturaleza.

En el mundo de la composición operística no pueden quedar sin mencionar nombres como el de W.A. Mozart, H. Purcell, Gioacchino Rossini, Giuseppe Verdi, Richard Wagner, Jacques Offenbach, P.Tchaikovski, Igor Stravinski o Carl Maria von Weber, entre otros aportando cada uno de ellos las características propias de su genio y personalidad,

Pero este elitista género actualmente ha tratado de ser difundido fuera de los suntuosos teatros, encontrando un escenario tan idóneo como peculiar en las caricaturas.

Lo que parecía paradójico e imposible de conciliar, el empate entre un género musical “comúnmente” considerado como aburrido y un elemento atractivo y convencional de nuestros días, ha sido hecho realidad por estudios como Warner Bros. (WB), Metro Goldwyn Meyer (MGM) y Walt Disney.

De esta manera el director Chuck Jones cuenta entre sus creaciones para MGM The Cat above and the Mouse Below (1964), en la que vemos como mientras el ratón Jerry trata de conciliar el sueño bajo las tablas del escenario, mientras el gran cantante T. Catti-Cazzaza (Tom) interpreta el aria Largo al Factotum de El Barbero de Sevilla (G. Rossini, 1815).

También dirigidas por Jones en esta ocasión para WB, podemos encontrar, al conejo Bugs Bunny y a Elmer Gruñón, primero, en una muy singular interpretación de algunos fragmentos de El Anillo de los Nibelungos y Tannhauser (R. Wagner, 1845-1872), titulada What’s Opera Doc? (1957); y después en The Rabbit of Seville (1949) centrada en la overtura de la obra de Rossini; aparecen otras piezas en Long-haired Hare (1948) en la que el inquieto conejo, haciéndose pasar por el famoso director Leopold Stokowski hace sufrir a un asustado tenor a quien obliga a interpretar piezas de Gaetano Donizetti, Richard Wagner, Franz von Suppé y Gioacchino Rossini.

En esta mezcla de lo sublime y lo divertido se encuentran también Tom and Jerry in the Hollywood Bowl (1950), dirigida por William Hanna y Joseph Barbera, en la que el gato y el ratón entablan una feroz lucha mientras tratan de hacerse con la batuta de la orquesta que interpreta la opereta Die Fledermaus de Johann Strauss (1874).

Escasos pero también dignos de mención fueron los intentos de Walt Disney por incorporar la ópera a sus caricaturas, teniendo como resultados Mickey’s Grand Opera (1936) y The Whale who wanted to sing at The Met (1946) historia corta parte del paquete Música Maestro, en la que vemos cómo un ballenato tenor –Willie– interpreta obras de G. Donizetti.

Sin duda alguna el campo de la Ópera ha visto surgir grandes compositores y cantantes, haciendo posible la propuesta de Stravinski sobre “ver la música”; así  siendo la procedencia de compositores o intérpretes irrelevante, es la capacidad que tengan para afectar al público con sus partituras o voces lo verdaderamente significativo, sin importar si se trata del legendario tenor Enrico Caruso, Bugs Bunny o Willie la Ballena, quien sube al escenario.  

FUENTES:

“El ABC de la Òpera. Todo lo que hay que saber”. Aut. Eckhardt van den Hoogen. Ed. Taurus. México 2005.

“Enciclopedia de la Política”. Aut. Rodrigo Borja. Ed. Fondo de Cultura Económica. México 1997.

“Tunes for ‘toons. Music and the Hollywood Cartoon”. Aut. Daniel Goldmark. Ed. University of California Press. Berkeley y Los Ángeles CA. 2005.

 

VÍNCULOS A VIDEOS DE LAS CARICATURAS MENCIONADAS:

“The Cat Above and The Mouse Below”. MGM. 1964

“What’s opera doc?”. WB. 1957

“The Rabbit of Seville”. WB. 1949

“Long-haired Hare”. WB. 1948

“Tom and Jerry in the Hollywood Bowl”. MGM. 1950

“Mickey’s Grand Opera” Walt Disney. 1936

“The Whale Who Wanted to sing At The Met” Walt Disney 1946  Parte I

“The Whale Who Wanted to sing at The Met” Walt Disney 1946.  Parte II